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Photos: Christof Graf

Als Nick Cave am späten Sonntagabend des 5. Juli die Bühne des Auditorium Stravinski beim Montreux Jazz Festival betrat, lag über dem Genfer See bereits jene eigentümliche Sommerdämmerung, die Montreux seit Jahrzehnten zu einem mythischen Konzertort macht. Doch was sich in den folgenden zweieinhalb Stunden entfaltete, hatte wenig mit nostalgischer Festivalromantik zu tun. Nick Cave & The Bad Seeds präsentierten sich vielmehr als eine Band auf dem Höhepunkt ihrer Ausdruckskraft – düster, intensiv und zugleich von einer unerwarteten Wärme durchzogen.

Bereits die ersten Takte von „From Her to Eternity“ machten deutlich, dass Cave auch mit 68 Jahren nichts von seiner elektrisierenden Bühnenpräsenz eingebüßt hat. Hochgewachsen, ganz in Schwarz gekleidet und mit jener Mischung aus Prediger, Crooner und Schamane, die seit Jahrzehnten seine Auftritte prägt, zog er das Publikum augenblicklich in seinen Bann. Die Stimme, inzwischen etwas rauer und tiefer als in früheren Jahren, besitzt weiterhin jene einzigartige Fähigkeit, zwischen flüsternder Intimität und apokalyptischer Wucht zu wechseln.

Das Programm spannte einen weiten Bogen über vier Jahrzehnte Bandgeschichte. Mit „Train Long-Suffering“ und dem Titelsong des aktuellen Albums „Wild God“ schlug Cave die Brücke zur Gegenwart, während Klassiker wie „Tupelo“, „O Children“ oder das unerbittlich vorangetriebene „The Mercy Seat“ die lange Geschichte der Bad Seeds lebendig werden ließen. Besonders beeindruckend war dabei die dramaturgische Geschlossenheit des Abends: Die Songs wirkten nicht wie einzelne Nummern einer Setlist, sondern wie Kapitel einer großen Erzählung über Verlust, Hoffnung, Schuld und Erlösung.

Die Bad Seeds selbst agierten dabei mit einer Präzision und Spielfreude, die ihresgleichen sucht. Warren Ellis, mit seiner wilden Haarmähne und dem permanenten Wechsel zwischen Violine, Gitarre und elektronischen Klangflächen, blieb der kreative Gegenpol zu Cave – weniger Begleiter als vielmehr musikalischer Dialogpartner. Gerade bei „Carnage“ oder dem schwebenden „Bright Horses“ entstand zwischen beiden eine beinahe telepathische Kommunikation, die zu den stärksten Momenten des Konzerts gehörte.

Bemerkenswert war zudem die intensive Beziehung zwischen Cave und seinem Publikum. Immer wieder suchte er den direkten Kontakt zu den Zuschauern in den ersten Reihen, griff nach ausgestreckten Händen oder ließ einzelne Textzeilen vom Saal weitersingen. In Montreux wirkte dies nie kalkuliert oder routiniert, sondern wie Ausdruck einer aufrichtigen Suche nach Gemeinschaft – eine Qualität, die seine Konzerte seit den persönlichen Tragödien der vergangenen Jahre zunehmend prägt.

Zu den Höhepunkten des Abends zählte das fragile „Henry Lee“, dessen morbider Charme im Auditorium eine beinahe kammermusikalische Atmosphäre erzeugte. Wenig später verwandelte „Jubilee Street“ den Saal in einen brodelnden Organismus aus Rhythmus und Ekstase, bevor das Finale mit „Red Right Hand“ und dem monumentalen „The Mercy Seat“ noch einmal die ganze Spannweite des Cave’schen Kosmos offenbarte – zwischen Bibel, Blues und existenzieller Beschwörung.

Das Montreux Jazz Festival feiert in diesem Jahr sein 60-jähriges Bestehen und hat in seiner Geschichte unzählige legendäre Konzerte erlebt. Der Auftritt von Nick Cave & The Bad Seeds darf sich ohne Übertreibung in diese Reihe einordnen. Es war kein nostalgischer Rückblick eines großen Künstlers auf sein Lebenswerk, sondern die eindrucksvolle Demonstration einer künstlerischen Vitalität, die weiterhin nach vorne drängt.

Am Ende verließ das Publikum das Auditorium nicht euphorisiert, sondern bewegt – und vielleicht ist genau das die größte Stärke eines Nick-Cave-Konzerts: Es unterhält nicht nur, sondern hinterlässt Spuren.

Photos: Christof Graf

Es gibt Konzerte, die auf Nähe setzen, und es gibt Konzerte, die von Distanz leben. Der Auftritt der neuseeländischen Singer-Songwriterin Aldous Harding am 5. Juli 2026 beim Montreux Jazz Festival gehörte entschieden zur zweiten Kategorie – und gerade deshalb entwickelte er eine seltene, beinahe hypnotische Wirkung.

Als Harding kurz nach 20.30 Uhr die Bühne des Auditorium Stravinski betrat, wirkte die Szenerie zunächst unspektakulär. Keine große Geste, keine publikumswirksame Inszenierung, kein Versuch, die Aufmerksamkeit des Saales zu erzwingen. Stattdessen stand plötzlich diese kleine, beinahe scheue Gestalt im Lichtkegel der Bühne und ließ mit den ersten Takten erkennen, dass hier eine Künstlerin auftrat, die sich den Mechanismen zeitgenössischer Popinszenierung konsequent entzieht. Aldous Harding war nicht gekommen, um sich zu erklären – sie war gekommen, um ihre eigene Welt zu errichten.

Die Neuseeländerin, die seit Jahren zu den eigenwilligsten Stimmen des internationalen Indie-Folk zählt, präsentierte in Montreux vor allem Stücke ihres im Frühjahr erschienenen fünften Albums Train on the Island, das erneut unter der Regie ihres langjährigen Produzenten John Parish entstanden ist. Zwischen introspektivem Folk, surrealen Textbildern und dezent psychedelischen Arrangements entfalteten die neuen Songs eine eigentümliche Spannung zwischen Vertrautheit und Fremdheit.

Hardings Stimme bleibt dabei ihr stärkstes Ausdrucksmittel. Sie kann innerhalb weniger Sekunden von fast kindlicher Zerbrechlichkeit in eine dunkle, beinahe theatralische Tiefe wechseln, einzelne Silben dehnen, Worte verschlucken oder mit einem plötzlichen Lächeln brechen. Oft hatte man weniger den Eindruck, einer Sängerin zuzuhören, als einer Schauspielerin, die ihre Texte in immer neuen Rollen und Masken durchspielt.

Dazu kamen jene charakteristischen Bewegungen, für die Harding inzwischen ebenso bekannt ist wie für ihre Musik: abrupte Gesten, starre Blicke ins Publikum, unerwartete Grimassen und kleine choreographische Einfälle, die irgendwo zwischen Performancekunst, Stummfilm und Traumsequenz angesiedelt sind. Was auf Video leicht manieriert wirken könnte, entfaltete im Saal eine eigentümliche Sogwirkung. Das Publikum beobachtete die Sängerin mit einer Aufmerksamkeit, wie man sie bei großen Festivalveranstaltungen nur selten erlebt.

Musikalisch setzte Harding auf Reduktion statt auf Überwältigung. Die Begleitband agierte mit bemerkenswerter Disziplin und ließ den Songs den notwendigen Raum zum Atmen. Feine Gitarrenlinien, sparsame Percussion und gelegentliche Keyboardflächen bildeten ein zurückhaltendes Fundament, auf dem Hardings Stimme und ihre ungewöhnliche Phrasierung umso deutlicher hervortreten konnten. Gerade in den leiseren Momenten zeigte sich die hervorragende Akustik des Stravinski-Saales: Selbst die kleinsten Nuancen schienen bis in die hintersten Reihen vorzudringen.

Besonders eindrucksvoll gerieten die Momente, in denen Harding die Spannung zwischen Nähe und Entzug bewusst ausspielte. Während viele Künstler die direkte Kommunikation mit dem Publikum suchen, blieb sie rätselhaft und unnahbar. Ansagen waren selten, Lächeln ebenso. Doch gerade diese Verweigerung erzeugte eine ungewöhnliche Intensität. Die Zuschauer mussten sich der Musik annähern, anstatt umgekehrt.

Die Programmierung des Abends erwies sich dabei als bemerkenswert stimmig. Als Support für Nick Cave & The Bad Seeds eröffnete Harding den Konzertabend im Auditorium Stravinski und bildete mit ihrer Mischung aus Dunkelheit, Spiritualität und poetischer Verschrobenheit einen faszinierenden Gegenpol zum späteren Hauptprogramm. Beide Künstler verbindet die Fähigkeit, Songs nicht als bloße Unterhaltung, sondern als Räume für Ambivalenz, Geheimnis und existenzielle Fragen zu begreifen.

Als Aldous Harding nach etwas mehr als einer Stunde die Bühne wieder verließ, reagierte das Publikum mit lang anhaltendem Applaus – weniger euphorisch als konzentriert und respektvoll. Es war die Anerkennung für einen Auftritt, der sich jeder schnellen Vereinnahmung entzog und gerade dadurch in Erinnerung bleiben dürfte.

Nicht jedes Konzert muss Antworten liefern. Manchmal genügt es, Fragen zu hinterlassen. Aldous Harding gelang in Montreux genau das.